El don tenebroso, de Lorenzo Luengo

Publicado el 8 mayo, 2026 por Manuel Fernández Labrada

Quizás no exista otro escritor moderno que haya encarnado mejor que lord Byron (1788-1824) el ideal renacentista de las armas y las letras; del hombre capaz de aunar la espada con la pluma, la vida activa y combativa con el sacerdocio literario e intelectual. Autor de una extensa e importante obra lírica y narrativa, el vate inglés asumió un compromiso por la libertad de Grecia que le costó la vida, pero que le granjeó también una gran celebridad como héroe y hombre de acción. Su vida fue, sin duda, «romancesca» (en el mismo sentido en que Armas y Cárdenas ponderaba la del poeta y soldado del Renacimiento español Hernando de Acuña): una existencia tan plena de amores, lances y aventuras que el estudioso de nuestros días bien pudiera verse en la disyuntiva de rendirle una monografía o convertirlo en personaje de una novela. Ambas opciones podrían ser fructíferas, pero aún me parece mejor la perspectiva ―me atrevería a decir, intermedia― que Lorenzo Luengo adopta en su reciente libro, El don tenebroso (Espuela de Plata, 2026), donde nos ofrece un completo retrato de Byron y su mundo (las mujeres de su vida, Percy y Mary Shelley, Polidori…). La aproximación del autor es profunda y muy documentada, ramificada como un árbol frondoso, rico en sabiduría, belleza e imaginación, que no teme extender sus ramas tanto al terreno del ensayo como al de la creación literaria, añadiendo también la nota personal o incluso el apunte autobiográfico.

El don tenebroso no es, ciertamente, una novela, aunque sí un libro que logra conferir a sus protagonistas un relieve que va mucho más allá del frío estudio académico o erudito, ya sea biográfico o filológico. El gran conocimiento que tiene Lorenzo Luengo del autor inglés y de su contexto literario (ha traducido el verso y la prosa de Byron) le permite alumbrar un microcosmos donde sus personajes cobran una presencia extraordinaria. Uno de los primeros pasos de su singladura ha sido fijar la impronta del actor principal: suministrarnos «un retrato lo más fiel posible», fundamentado en «pasajes de cartas, páginas de diarios, retazos de conversaciones y otros fragmentos de (sedicente) vida a los que no les sienta mal el nombre de novela». Entre los informantes no podían faltar las voces de sus satélites más renombrados ―protagonistas también del libro―, como los Shelley o Polidori, a los que Lorenzo Luengo libera de los tópicos e inexactitudes propios de una lectura equivocada o superficial. También aportan su testimonio otros autores ―igual de prestigiosos― que trataron a Byron (aunque más alejados de su órbita), como Coleridge o Ticknor. Byron fue un hombre famoso y de mucha vida social, y Lorenzo Luengo sabe marear con solvencia en la selva de sus informantes, separando el grano de la paja y dando a cada cual el lugar más conveniente en este gran fresco del Romanticismo literario que es El don tenebroso: ¡el relato de un sueño romántico que todavía nos conmueve!

Uno de los grandes atractivos de El don tenebroso reposa en su variedad de registros, que le permite a su autor, entre otras libertades, dedicar parte importante de un capítulo a la glosa de un poema de Byron (She walks in beauty), compulsar sus retratos (reproducidos en el libro) o estudiar los rasgos fisonómicos del poeta. Si Julian Barnes se atrevió a indagar el color de los ojos de madame Bovary, ¿por qué no iba a interesarse Lorenzo Luengo por los de Byron? De la riqueza de aproximaciones de que hace gala el libro ―ilustrado con muchas y variadas fotografías― puede dar buena cuenta el capítulo quinto, «Los hechizos», donde su autor analiza algunas presencias y recurrencias significativas que atraviesan oblicuamente la constelación formada por Byron y los Shelley: el agua, los volcanes, el sonambulismo, los monstruos, la serpiente, los dobles… Una aproximación en ocasiones atrevida, incluso heterodoxa, pero muy sugerente y original, bellamente escrita y documentada. ¡Hay rincones que solo determinadas luces pueden iluminar! Parecida novedad de tratamiento hallamos en «Muchachas en el bosque de los mil espejos»: un denso capítulo donde la carga autobiográfica del libro se hace muy patente y que incluye sueños propios y ajenos. Su prolongación, «Catálogo de sueños», recoge de manera más sintética y objetiva algunos sueños anotados por Byron, el matrimonio Shelley y Claire Clairmont. Porque los sueños son, para Lorenzo Luengo, un componente muy revelador de la personalidad de sus amados personajes.

Separan las dos anteriores «duermevelas» un breve e imaginativo capítulo dedicado al poeta lunático John Clare («Mitologías I»), y otro más extenso («Harriet») que concede protagonismo al formidable trío de mujeres formado por Mary Shelley, Claire Clairmont y Harriet Westbrook (primera esposa de Shelley). Durante decenas de páginas el foco se aparta de Byron y se centra en esa famosa constelación de damas, y de manera muy especial, en la figura (un tanto olvidada) de Harriet, de la que Lorenzo Luengo nos brinda un estudio muy documentado, sobre todo en lo referido a sus relaciones con Shelley. Una vez más, el autor convoca «testigos» fidedignos que lo respalden: amigos de Shelley que conocieron a Harriet personalmente, como Thomas Love Peacock o Thomas Jefferson Hogg (que también fue biógrafo de Shelley), a los que interpela como si los tuviera delante de él (quizás en algún sueño sucediera así). El capítulo titulado «Una cuestión de colores» nos trae una primera aproximación a la insoslayable villa Diodati, que se sustancia en una emocionante visita efectuada por el autor durante una tormentosa tarde de verano. Este encantador y muy lírico intermezzo se continúa en otro capítulo más extenso y muy documentado, «Ficciones», donde Luengo desmonta ciertos mitos crecidos al amparo de la «fabulosa» villa (como la supuesta estancia de Milton); o bien aclara algunos puntos oscuros también relacionados, como el atinente a la controvertida autoría de El vampiro. Otro asunto analizado a fondo en este capítulo es el de la escandalosa «liga del incesto», motivo de mortal enemistad entre Southey y Byron.

El carácter enciclopédico (en el mejor sentido de la palabra) de El don tenebroso se hace aún más patente en los últimos capítulos, que adoptan un perfil apendicular y complementario. El primero de ellos («Mi diccionario») nos aporta un original y muy esclarecedor ramillete de temas transversales, personajes diversos, curiosidades, lugares (como el célebre verano en la villa Diodati), notas autobiográficas o incluso las claves de algunos enigmas que nos habían acompañado durante la lectura del libro (Ms. Rose). En estos últimos compases de la obra, Lorenzo Luengo cede por entero la palabra a otras voces, que agrupa en diversos álbumes de citas, dando así un paso más en su deseo de conferir amplitud de enfoque a ese gran mural de la vida romántica que conforma El don tenebroso, y donde tampoco faltará la pincelada que otorga la cultura popular. También toman la palabra (¡cómo no!) los propios protagonistas del libro: Byron, los Shelley y Claire Clairmont. Sus citas dibujan ahora una especialísima constelación de ideas cuyas órbitas, eclipses, alineaciones y ocultaciones desfilan, ordenadas a lo largo de una década, ante el objetivo «telescópico» de su autor. A todo esto sumaremos una inesperada y deleitable antología necrológica y vampírica, o incluso… ¡un capítulo de novela!

Rendir cuentas con mayor detalle de un libro como El don tenebroso sería una hazaña tan innecesaria como temeraria. Deberá ser el lector quien se interne, por su propio pie, en este caudaloso océano de conocimiento y evocaciones literarias, en este vasto ensayo romántico, modulado en una amplia variedad de registros y escrito con mucha sabiduría y afán de originalidad, y donde la voz del autor se pronuncia siempre segura y sin medias tintas críticas ni miradas complacientes. El libro es, sin duda, fruto del trabajo de muchos años, pero también testimonio de un compromiso personal que va mucho más allá de lo que requiere un estudio filológico o biográfico. Un trabajo de gran empeño y complejidad; en ocasiones, casi laberíntico. Porque así lo demanda, quizás, la búsqueda incansable de ese inédito recodo del camino que ―sólo él― nos abre una nueva perspectiva. Un libro donde el temperamental e irreductible lord Byron bien podría respirar a su gusto, como en su propia casa. Su casa española.

Reseña de Manuel Fernández Labrada

* Esta reseña ha sido también publicada en Zenda

«Hay, sin duda, una parte personal en los desprecios de Byron hacia Keats: antes que Hyperion, leyó de arriba abajo Sueño y poesía con el morro torcido por sus críticas a los poetas augustos. Pero también está la parte estética, esa parte a la que le remuerde lo fantasioso, que desconfía de un volar demasiado lejos, del infantil apartarse del camino y recoger jugosos frutos de sabiduría de árboles todavía más extraños».
«Descendí de un saltito del muro y me tendí sobre la hierba con las manos entrelazadas bajo la cabeza, de cara a la lluvia. ¿Quiénes eran los que se deslizaban sobre mí, los miles de miríadas que habitaban esas gotas? ¿Quién era yo? Esperaba poder decir, como había hecho Sebald al quedarse dormido en una playa tras su largo paseo hasta Scheveningen, que escuchaba el murmullo del agua y entendía medio en sueños todas las palabras, y que, “por primera vez en mi vida, creía haber llegado, estar en casa”. A mí, sin embargo, en aquel momento de puro y atontado embeleso me parecía que no podía haber nada más familiar a estar en casa que permanecer allí tendido, contemplando el universo a la altura de las hojas inclinadas de perlas, sumido por primera vez, como Kafka en Desenzano, en la felicidad de aquel estar perdido en una tierra sin gente, consolándose “por el hecho de que nadie supiera dónde estoy”».
«Shelley empezó a escribir un catálogo de sueños para tratar de entender las relaciones entre el sueño y la vigilia. Abandonó su plan pocos días después, presa del terror, y, “pálido y agitado”, corrió hasta la habitación en la que se encontraba Mary, que solo tras mucho esfuerzo —una conversación sobre naderías— consiguió quitarle el miedo».
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Un perro de carácter, de Sándor Márai

Publicado el 29 marzo, 2026 por Manuel Fernández Labrada

Ahora que los canes nos ladran desde los estantes de todas las librerías, no hay escritor apenas al que le falte el suyo o editorial que no disponga de una camada repartida entre sus colecciones, resulta gratificante constatar que la pasión literaria por los perros no es ocurrencia de última hora ni resabio oportunista crecido al amparo de los anuncios de comida para mascotas y series de televisión. Es decir, no escasean autores de toda la vida que tributaron sinceros homenajes a la tribu de los pulgosos. El aficionado a la buena literatura podrá, pues, sumar a los emotivos relatos de Kipling, al Señor y perro de Thomas Mann o al Flush de Virginia Woolf (cito solo algunos de los textos más memorables) esta simpática novela (Salamandra, 2024) del húngaro Sándor Márai (1900-1989), un autor muy conocido, leído y apreciado en nuestro país.

Un perro de carácter (1932) es el ameno y divertido relato, nada banal, de las graves alteraciones que un cachorro de cuatro semanas introduce en un hogar burgués de clase media cuyo cabeza de familia es —muy providencialmente— un escritor. De entrada, la novela parece querer avisarnos de los grandes peligros que entrañan las compras compulsivas y poco meditadas de la Navidad: una mala costumbre que no ha perdido un ápice de actualidad. Hay debilidades que siempre se pagarán muy caras. Porque aquí, como sucedía con el bulldog Ponto de la impagable novelita de Stefan Zweig (¿Fue él?), nos topamos con un perro dotado de un exceso de «carácter». Es decir, un can capaz de cometer trastadas merecedoras de figurar en la página de sucesos de cualquier periódico. ¿Acaso un perro paciente y dócil sería mejor protagonista para una novela? Si los animales pueden darnos alguna lección que merezca la pena escuchar, seguro que no será la de la obediencia y la resignación.

La novela de Márai tiene como principal protagonista a Chútora, un individuo canino perteneciente a una raza de perros poco conocida en España: el puli húngaro. Con tan solo un mes de edad y a modo de regalo, es presentado en sociedad durante la cena de Nochebuena de un hogar burgués situado en la ciudad de Buda. Desde el primer momento, Chútora se revela como un perro problemático y con ideas propias (así lo perciben sus dueños). Cualquiera que haya disfrutado de las «alegrías» que conlleva la crianza de un perro reconocerá en la novela de Márai la crónica convincente del primer año de vida de un cachorro. Una descripción bien ajustada al comportamiento de un perro joven, aunque interpretado desde una perspectiva humanizada: un recurso necesario para que el texto sea algo más que un tratado de etología. La marcada personalidad de Chútora pronto lo convertirá en un poderoso enemigo del debilitado medio burgués que lo acoge. Porque, chuchos aparte, la novela nos ofrece el retrato de una sociedad en crisis donde los antiguos valores, aún no sustituidos por otros nuevos, muestran signos inequívocos de vejez.

O así al menos lo vive el dueño de Chútora, que atraviesa una crisis existencial, prisionero de unas rutinas que no le convencen. La irrupción del cachorro abre en su ordenada vida poderosas grietas. El aplomo del animal, su certero instinto, el afán de descubrimiento que mueve su ingobernable vida despiertan en el «caballero» protagonista tanto el cansancio como una sincera admiración. Chútora parece contravenir esos artificiales y añejos valores burgueses en los que ya no cree. Su mera presencia tiene la capacidad de ponerlo todo en cuestión. Hasta en su rebeldía ante la correa cree descubrir su dueño una lección moral. ¡Qué magnífica pintura la que nos ofrece Márai de esa tradicional cena de Navidad en una casa burguesa venida a menos; una familia que subsiste entre el querer y el no poder, alimentada por el recuerdo de los viejos tiempos y que no parece tener mejor entretenimiento que el de evocar las apolilladas rencillas familiares de toda la vida… A todo este orden decadente se opone el seguro instinto animal de las cuatro semanas de Chútora.

Pero el interés de la novela no se reduce al relato de la personalidad de un perro, de su dueño o del ambiente familiar. Márai también dirige nuestra atención hacia otros personajes del entorno vecinal. Es el caso del herrero Zsombolya y del carpintero Telkes, copartícipes de un odio irracional y virulento que los asemeja a dos perros furiosamente enfrentados. O las dos mujeres mayores, madre e hija, que conviven en su anticuado piso, aisladas del mundo y ancladas al pasado, y a las que Chútora provoca una terror desproporcionado. Otra estampa estupenda es la del paseo del cachorro, exultante de fuerza y juventud, ante los ancianos del asilo, que, sentados a la puerta de la institución, contemplan su paso con una envidia codiciosa. O la de esos estrafalarios propietarios de perros con los que el caballero se cruza durante sus paseos con Chútora: seres solitarios que han reducido toda su relación afectiva al trato con una mascota. Pero las mayores dosis de ironía nos aguardan en la divertida burla que Márai trama contra el psicoanálisis, parodiado mediante la aplicación de sus principios terapéuticos al comportamiento disfuncional de Chútora.

Tal como se viene anunciando desde el inicio de la novela, el encaje familiar de Chútora se vuelve cada día más problemático. Tras una decisión educativa seguramente equivocada (ignorar al animal), el comportamiento de la mascota empeorará con rapidez, de tal manera que su salida del hogar se le impondrá al lector como una opción inevitable. Sobre todo tras una escena, tan cruel como grotesca, en la que el enfrentamiento entre amo y mascota se sustancia en el terreno de la pura animalidad. Que el hombre se rebaje a ese nivel no puede significar otra cosa que su derrota. Aunque la novela testimonia, como cabía esperar, lo mucho que ha cambiado en estos años transcurridos nuestra manera de relacionarnos con los animales domésticos (algún lector quizás rotule mentalmente la novela como «Un perro mal adiestrado»). la historia de Chútora encierra un innegable núcleo de actualidad, y la enseñanza que el narrador extrae de su lamentable experiencia con el perro me parece que sigue siendo plenamente válida en nuestros días.

Reseña de Manuel Fernández Labrada

«Entonces, frunciendo el ceño de preocupación, el caballero se da cuenta de que, a partir del momento en que adoptó a ese ser vivo, hace apenas unas horas, no existía ya otra posibilidad que ocuparse de él sin descanso. Como cualquier ser vivo que introducimos en nuestras vidas, incluso ese renacuajo exige tener a una persona siempre a su disposición, una atención permanente, una entrega total».
«Se ha quedado dormido porque no tiene noción del tiempo, porque está agotado y es joven, porque, para él, el día ha terminado. En sueños, mueve nerviosamente las patas, como si corriera; sueña como suelen hacerlo los perros jóvenes: sueña que persigue a una presa, que participa en una cacería muy antigua, de hace muchísimos años, tal vez de los tiempos en los que los perros aún no habían hecho ese extraño pacto con los hombres».
Traducción de Mária Szijj y José Miguel González Trevejo
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Tragatrufas (1933) y Hitler Greñas (1941): Dos sátiras políticas contra el nacionalsocialismo

Publicado el 7 marzo, 2026 por Manuel Fernández Labrada

En uno de sus más breves y sugestivos relatos («De cómo llegó el enemigo a Thlunrana», 1915) lord Dunsany nos relataba la historia de un poderoso ídolo al que las antiguas crónicas de su pueblo habían profetizado una derrota inevitable. En una sola noche, la tiranía del temible dios se derrumbará por la simple acción de un visitante furtivo que penetra en su santuario y se ríe al contemplarlo. La risa puede ser un arma considerable, pero si además se reviste con las galas del arte y el ingenio ―dígase caricatura, sátira o parodia― su fuerza se multiplica. Uno de los textos más parodiados de los últimos tiempos es el famoso Struwwelpether (1845) de Heinrich Hoffmann (traducido como ‘Pedro Melenas’ en nuestras latitudes): un librito de pocas páginas y profusamente ilustrado que narraba (con un propósito ejemplarizante no falto de una notable crueldad) los accidentes y castigos sufridos por unos niños revoltosos y desobedientes. Gracias a la originalidad de sus dibujos e historietas en verso, el libro ganó pronto una enorme popularidad y fue merecedor de numerosas traducciones: condición necesaria para que sus exempla pudieran aprovecharse luego con intención satírica. Dos de las más interesantes parodias que ha merecido el citado texto son las que ahora publica Ápeiron Ediciones: Tragatrufas y Hitler Greñas: dos sátiras políticas contra el nacionalsocialismo (2026).

La primera de las parodias, Tragatrufas (Truffle Eater, 1933), escrita por Humbert Wolfe y dibujada por Archibald Louis Charles Savory (bajo el seudónimo de Oistros), se compuso tras la toma del poder por los nazis a principios de ese mismo año. En el texto aparecen ya algunos de los principales jerarcas del régimen, como Edmund Heines, Göring o Goebbels, así como otros personajes menos recordados o de etapas anteriores (Ludendorf, Ernst Roehm…). Hitler, que figura caricaturizado como Pedro Melenas en el frontispicio del libro, no hace acto de presencia hasta el capítulo final, donde lo veremos entregado a su delirante sueño de conquistar el mundo: un inquietante presagio que pronto amenazaría con cumplirse. Entre los abusos y atrocidades denunciadas por el Tragatrufas podemos señalar las cometidas contra los judíos, la quema de libros o el incendio provocado del Reichstag. Tragatrufas guarda una notable independencia respecto al texto original de 1845, del que no parodia todas sus historias y completa con algunas enteramente nuevas. Como ya anunciamos más arriba, no era la primera vez que se tomaba el Struwwelpeter como vehículo para la parodia política. Solo unos pocos años después de su aparición original se publicó en Alemania Der Politische Struwwelpeter (1849), y durante la Gran Guerra vieron la luz otras dos parodias bélicas, una en lengua inglesa y otra en alemán. De estas y otras adaptaciones, tanto anteriores como posteriores a Tragatrufas y Hitler Greñas, nos informa Roberto Vivero en su breve pero muy documentada Nota del editor, donde también nos facilita las claves necesarias para una mejor interpretación de los textos traducidos.

El segundo texto, Hitler Greñas (Struwwelhitler, 1941), de los británicos Robert y Philip Spence (bajo el seudónimo de Doktor Schrecklichkeit), fue escrito tras el inicio de la contienda. Como su título anuncia, Hitler protagoniza ahora varias aventuras, en solitario o acompañado por otros gerifaltes nazis, que son una cómica y bastante fiel transposición (los dibujos, también en color, son casi calcados) de las historietas del Struwwelpether original (aunque añade un nuevo episodio, «La Historia de Hermann [Göering] volador» y un breve prólogo donde se cita a los «bribones» Thyssen y Krupp). Una importante novedad que presenta este nuevo texto es la de extender su sátira a líderes extranjeros. La fracasada campaña en Grecia de Mussolini o sus derrotas navales se corresponden con las historias originales del cazador cazado y del niño descuidado que cae al río y está a punto de ahogarse. El episodio de los niños tintados de negro por san Nicolás (como castigo por haberse burlado de un negrito) tiene ahora su correlato en la divertida escena en la que Stalin introduce en un enorme tintero a los «niños» Hitler, Ribbentrop y Goebbels —se habían reído de un bolchevique—, que saldrán de la tina pintados de rojo y desfilando tras el bolchevique, representado ahora como el flautista de Hamelín. No es difícil ver en esta historieta una alusión al pacto de no agresión firmado entre rusos y alemanes (Ribbentrop-Mólotov, 1939) o al temor que despertaba en los aliados una posible alianza entre la Rusia soviética y la Alemania nacionalsocialista. Como noticia reciente de ese mismo año, el libro alude al vuelo de Rudolf Hess a Inglaterra y su aterrizaje en paracaídas, modelado sobre la historia del niño con paraguas que perece arrastrado por el viento. Tampoco faltan personajes anónimos, como puede verse en la aventura de la niña de las cerillas, que ahora se llama Gretchen y se quema por jugar a la guerra con un cañón de juguete.

Quedaría incompleta esta reseña si no llamara la atención del lector sobre la excelencia de su traducción. ¿Quién mejor que Enrique Gallud Jardiel, gran maestro de la literatura humorística y satírica, tanto en prosa como en verso, para asumir el difícil reto de verter a nuestra lengua estas dos parodias tan significativas de su momento histórico? ¿Quién podría armonizar con mayor solvencia y acierto la nota humorística con la propiedad del lenguaje, el respeto escrupuloso al contenido y disposición de los textos originales con una versificación castellana ingeniosa, elegante y divertida? Tragatrufas y Hitler Greñas vienen así a sumarse, en las mejores condiciones, a otros interesantes títulos publicados en «Dokumenta», la nueva colección de Ápeiron Ediciones dedicada al pensamiento, la cultura y la sociedad europeas de la primera mitad del siglo XX.

Reseña de Manuel Fernández Labrada

«Joseph, el camarada comunista,        [Stalin]
con todos ellos redactó una lista.
Cogió a Adolf y a Gob por el cabello,        [Hitler, Goebbels]
y a Ribby por su paliducho cuello,         [Ribbentrop]    
y por más que gritaron ellos tres,
los metió en el tintero por los pies
y los tuvo unas horas en remojo.
Los tiñó, como veis, de color rojo».
«Cae en medio de los highlands escoceses,       [Hess]
allí lo encierran unos cuantos meses
y están sus carceleros muy perplejos:
«¿Para qué habrá venido de tan lejos?».
De aquello se deriva un solo axioma:
No volverá a su patria ni de broma».
Traducción de Enrique Gallud Jardiel

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Es la guerra, de André Suarès

Publicado el 22 febrero, 2026 por Manuel Fernández Labrada

Es común asegurar —no sé si con suficiente conocimiento de causa— que muchos soldados alemanes de la Gran Guerra llevaban en los bolsillos de sus guerreras el famoso Canto de amor y muerte del corneta Rilke (1906). Si esto fuera verdad, no creo que tardaran mucho en descubrir la falsedad de esa romántica gesta de un abanderado adolescente que reúne en una sola noche eros con tánatos. ¡La realidad es un poderoso crítico literario! Nada más opuesto a dicha epopeya erótica y caballeresca, a la que pone punto final una muerte gloriosa, que el texto de André Suarès (1868-1948), C´est la guerre (1915). Si Rilke compuso su poema en el arrebato lírico de una inspirada noche del invierno ruso de 1899, el francés concibe su proclama en el dolor de una guerra que amenaza con desangrar su país: un visceral alegato forjado en una prosa poética tan doliente y desgarrada como una herida abierta, tan belicosa y lacerante como el filo de una bayoneta. En el campo de batalla de Grodek la primavera no llega ni fría ni tarde. Sencillamente, no llega.

Es la guerra (Ápeiron Ediciones, 2026) constituye, en primer lugar, una furiosa y visceral invectiva contra los alemanes. El propósito del autor francés no es, desde luego, pintar una imagen honrosa, ni tan siquiera trágica, de la guerra, sino denunciar las innobles acciones de los alemanes, que han hecho desaparecer los ideales heroicos y caballerescos del campo de batalla. A diferencia de los franceses, los alemanes (los «boches») son naturalmente inhumanos, y nada les cuesta cometer las mayores atrocidades contra los inocentes y desvalidos. Han convertido la guerra en la más innoble de las tragedias. Suarès contrapone los celtas a los teutones, el genio creativo de los franceses a la espesa brutalidad de quienes se han embarcado en una guerra «de especie», un lucha «de raza» que pretende aniquilar a todos cuantos sean diferentes. Es la guerra contiene también una crítica a la particular idiosincrasia alemana, a su insufrible pedantería, falsedad, envidia, soberbia intelectual y grosería de espíritu, a su convencimiento de tener siempre la razón. Tampoco se salva de la quema su alta cultura, es decir, su filosofía culpable, su ciencia asesina o, incluso, su engañosa devoción por la música. No se olvida Suarès de subrayar la vileza de muchas de sus pretendidas grandes personalidades: desde Clausewitz o Moltke a Bismarck; de Lutero, Nietzsche o incluso Goethe.

No todo en el poema es descalificación y arenga bélica. También hallamos, sobre todo en su primera parte, una aguda reflexión sobre los conceptos de derecho, justicia y fuerza, que se resume en una denuncia de la fuerza cuando no la asiste el derecho, como también en la futilidad del derecho cuando no lo respalda la fuerza. El derecho sin una fuerza que lo ampare es un imposible que despierta la risa del enemigo. Para Suarès, en la dramática situación en que se encuentra Francia, «la retórica de la paz es la más vil de las retóricas», y «la blandura idealista, que desprecia las armas y se niega a defenderse, no tiene cabida». De ahí su clamorosa llamada a tomarse la revancha combatiendo al enemigo con su misma ferocidad. De manera parecida a como Goya legó a la posteridad algunas de las más crueles escenas de la guerra de la independencia, Suarès hace recuento en su libro de algunas de la más vergonzosas brutalidades perpetradas por los alemanes. Todo ello con el fin de abrirle los ojos a los franceses y hacerles ver que es necesario pagar a los alemanes con su misma moneda, aunque sea preciso hacer violencia a los innatos valores humanitarios galos. A los alemanes solo se les puede vencer mediante la fuerza, no por el derecho ni por la justicia. Alemania es, en suma, un «perro rabioso» que es lícito exterminar.

Desde un punto de vista formal, el libro de Suarès se nos presenta como una sinfonía del horror bélico que alcanza su cima en el treno apocalíptico de su último movimiento. Agotadas las invectivas, denuncias y descalificaciones de los anteriores capítulos, Suarès echa mano de la alegoría para elevar un tono más el diapasón de su diatriba contra los alemanes, a los que representa como el Topo del Apocalipsis (oportuna figura en el contexto de una guerra de trincheras). Porque si Estrabón acertó a ver en los perfiles de Iberia la figura de una piel de toro extendida, Suarès descubre en los de Alemania el dibujo de un topo monstruoso, ciego de rabia y sediento de sangre. Su insaciable hocico y sus crueles garras se extienden entre los países vecinos, mientras sus inmundas posaderas ensucian la sagrada tierra de Francia. Una poderosa estampa alegórica que nos trae a la memoria los mapas satíricos de la prensa política del momento (donde Rusia se representaba como un pulpo o un oso, Alemania como una hidra y España, como un toro o… ¡una maja dormida!). Suarès alcanza, pues, en esta coda final de su libro una cota aún más elevada en su causa general contra Alemania; es decir, retoma los motivos expuestos en los capítulos precedentes pero en un tono aun de mayor dramatismo, de tal manera que la invectiva contra los alemanes y el ansia de infligirles un castigo ejemplarizante se modula en un crescendo de frenesí casi enloquecido.

Para finalizar, señalaré el magnífico trabajo de traducción realizado por el escritor vallisoletano José Carlos Turrado de la Fuente, que ha sabido poner en juego su conocimiento y talento literario para acercarnos, con la riqueza, plasticidad y fuerza expresiva necesarias, este amargo y complejo texto de André Suarès, donde la invectiva bélica más punzante se conjuga con el imaginativo vuelo de la alegoría. Es la guerra viene así a sumarse, con todos los honores, a la reciente y exquisita colección creada por Ápeiron Ediciones, «Grodek», que al amparo del famoso poema de Trakl está recuperando para nuestra lengua valiosos testimonios líricos (Ricarda Huch, Richard Schaukal) de la primera mitad del siglo XX: una época especialmente convulsa y significativa de la historia europea moderna.

Reseña de Manuel Fernández Labrada

«El derecho da risa cuando grita pidiendo ayuda. ¿Quién ayudará al derecho si él no se ayuda? ¿Quién le dará la fuerza, si no la tiene?».
«La envidia está en el corazón de todos los alemanes. Francia es la espina clavada en su costado izquierdo: es el único espejo que no los halaga. Como no puede confesar su envidia, el odio es su máscara».
«Cualquier medio de sembrar la muerte y esparcir la ruina les parecerá bueno, y dirán que es legítimo. Los humos tóxicos, los venenos gaseosos, son solo un aviso de su crueldad. Si encuentran una forma terrible de matanza o destrucción general, harán que sea un deber sagrado ponerla en práctica. Saben que podrán glorificarse por ello, vencedores y únicos amos del mundo, están seguros de que la nueva moral les dará la razón, provendrá de ellos. Han sopesado a conciencia la vileza de la bestia humana. Les habla de cerca: la escuchan dentro de sí mismos».
«La guerra os parecía la más terrible de las tragedias, pero no imaginabais que pudiera ser la más innoble».
«En aquel tiempo, el hocico más alto de las montañas gruñía y buscaba presa, en el centro de Europa, un monstruo de una fuerza, fealdad, tamaño y crueldad como el mundo nunca había visto. // Era el Topo, la Bestia aterradora, aquella que la Escritura había predicho […] Es la guerra, ¡maldita sea!, es la guerra».
Traducción de José Carlos Turrado de la Fuente
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Verano indio, de Ralph Waldo Emerson

Publicado el 17 febrero, 2026 por Manuel Fernández Labrada

Al igual que su gran amigo y vecino de Concord, Henry David Thoreau, Ralph Waldo Emerson (1803-1882) fue un gran aficionado a los paseos campestres, así como a dejar constancia escrita de las meditaciones que le inducía la contemplación de la naturaleza. El libro que acaba de publicar Hermida Editores, Verano indio (2025), recoge una amena e interesante selección de entradas y fragmentos pertenecientes a los Diarios del filósofo de Boston («Platón», según el simpático apodo que le pusiera la mujer de Hawthorne, Sophia): un inmenso legado autobiográfico publicado originariamente en diez volúmenes. La naturaleza no es, desde luego, un elemento casual ni accesorio en el pensamiento de Emerson, como así se manifiesta en uno de sus textos más importantes, Nature (1836), libro fundacional del trascendentalismo. La edición de Verano indio cuenta con un revelador prólogo escrito por su editor, Alejandro Roque Hermida, donde se ahonda en el pensamiento filosófico de Emerson tal como se manifiesta en el conjunto de sus monumentales Diarios. Se enriquece y complementa así nuestra lectura del libro, centrado prioritariamente en el paseo y la mirada atenta a la naturaleza.

Aunque Verano indio da testimonio, de manera preferente, de paseos y excursiones, no escatima al lector una muestra significativa del pensamiento filosófico de Emerson, aquel que brota especialmente de su contacto con la naturaleza. La visión del mundo natural que nos transmite Emerson, en armonía con su concepción trascendentalista, no nos parecerá, quizás, tan apasionada y libre como la de Thoreau. Para el filósofo de Concord, Dios se manifiesta al hombre a través de la naturaleza: un fenómeno imposible de resumir en palabras que solo puede entenderse como una emanación divina. Al igual que Thoreau, Emerson también acostumbra emprender largas caminatas nocturnas en solitario, a la luz de la luna o bajo las estrellas: unas condiciones que propician los pensamientos elevados y edificantes, meditaciones de índole más trascendente que las que acompañan los paseos diurnos. La noche tiene además la propiedad de embellecer el paisaje, de transmutar el escenario más prosaico en el más excelso. La magia de la noche puede convertir —según asegura Emerson—un anodino y polvoriento camino vecinal en un paraje propio de Italia o de Palmira. También la soledad de la naturaleza da ocasión al paseante nocturno para que se abisme en el recuerdo y la memoria: un refugio tan reconfortante que es capaz de hacernos olvidar la realidad y el presente.

Verano indio también recoge numerosas noticias de los dos primeros viajes de Emerson al continente europeo (1833 y 1847), así como un breve apunte de su estancia en El Cairo durante su tercer y último gran viaje de 1873. Una de las primeras joyas que descubrimos al abrir el libro es precisamente la crónica de su primer periplo europeo: una singladura que el autor principia sufriendo los peligros e incomodidades de una borrascosa travesía a través del Atlántico en un barco de vela y que incluye algunas breves pero bellas pinceladas de la costa andaluza y de Sierra Nevada. En sus anotaciones, Emerson combina la descripción del paisaje con la opinión que le merecen las obras artísticas que contempla por vez primera; el recuerdo emocionado de su país con el retrato de las personalidades culturales que va conociendo en las diferentes ciudades que recorre. Sus crónicas de Roma, Florencia, Venecia y otras urbes europeas son siempre sinceras y directas, libres de todo encomio gratuito o previsible. Un inesperado testimonio de su talante moral nos lo brinda su visita a la casa de Voltaire en Ferney, que le da pie para exteriorizar (en un tono bastante extremado) la repugnancia que le inspira el filósofo francés. Su visión de la capital gala es poco complaciente, aunque la saluda como «la más hospitalaria de las ciudades». Esta valoración negativa de París se suavizará mucho en su viaje de 1848, cuya crónica ofrece numerosos juicios sobre el temperamento francés y los movimientos revolucionarios que por aquel entonces agitaban el país. La selección de Roque Hermida tiene el acierto de recoger también algunos episodios más anecdóticos, como la visita de Emerson a una fábrica de relojes en Ginebra (donde encarga una caja de música «con dos aires de Beethoven») o los menús que disfruta en una trattoria romana.

Pero, sobre todo, Verano indio nos ofrece abundantes escenas de la naturaleza cercana a Concord, en las que Emerson acierta a emparejar todo tipo de observaciones botánicas y zoológicas (aves, principalmente) con líricas descripciones del paisaje y meditaciones de índole más trascendente. Emerson emprende muchos de sus paseos y viajes acompañado por amigos, cuyo retrato no es el aliciente menor de estas paginas autobiográficas (asistiremos, incluso, a una fugaz comparecencia de Henry James). Entre sus compañeros más habituales destaca Ellery Channing, famoso teólogo y líder de la iglesia unitarista. Pero también, y de manera creciente conforme pasan los años, su amigo Thoreau (y en alguna ocasión también Hawthorne). Emerson acompaña al autor de Walden en algunas de sus conocidas singladuras fluviales en bote, comparte con él una similar pasión por la observación de plantas y animales y nos brinda, incluso, vívidas estampas de su peculiar figura y temperamento. En cierta ocasión, Emerson compara a su amigo con un zorro por su perfecto conocimiento de los bosques de Concord. También se complace en ofrecernos una divertida descripción de la pintoresca indumentaria que Thoreau lucía en sus vagabundeos silvestres.

Una particularidad de los Diarios de Emerson radica en que su autor no solo expresa los pensamientos propios. Es también habitual que incluya en sus anotaciones muchas observaciones y reflexiones de sus compañeros de caminata o de viaje, detalle que incrementa el interés de sus apuntes. La variedad también es norma en ellos, y así, en las anotaciones correspondientes al año de 1842, nos aguarda el relato de una excursión de varios días con su amigo Thoreau que incluye la narración de una visita a una comunidad Shaker. En otras páginas disfrutaremos de la descripción de una pintoresca y variopinta reunión de jefes indios de distintas tribus recién llegada a Boston. Hasta el perro de su amigo Channing, que le incita a reflexionar sobre su peculiar disfrute de la naturaleza, encontrará un hueco en las páginas de su bitácora. Entre las últimas anotaciones recogidas en Verano indio figura la emotiva noticia del entierro de Hawthorne (24 de mayo de 1864), a la que Emerson asiste en compañía de notables personalidades del momento, como el poeta Longfellow, Wendell Holmes o Franklin Pierce, íntimo amigo del finado y presidente de los Estados Unidos.

Reseña de Manuel Fernández Labrada

«La hierba y los arboles no tienen individuos, según el concepto de individualidad del hombre. La continuidad de su raza es la inmortalidad; nuestra continuidad, no. De ahí su triunfo sobre nosotros; y cuando tratamos de responder o decir algo, el buen árbol nos tiende a la cara un manojo de hojas verdes, o la madreselva cinco gráciles dedos, y es tan tontamente hermosa, tan inocente de todo argumento, que nuestras bocas se cierran y la naturaleza tiene la última palabra».
«Cuánto más sabe el perro sobre la naturaleza que su amo, aunque su amo sea un indio. El perro saborea, olfatea, raspa, siente, prueba todo, en todas partes, a través de kilómetros de arbustos, matorrales, hierba, agua, barro, lirios, montañas y cielo».
«Henry Thoreau se muestra como el característico admirador de las malas hierbas comunes que hordas de granjeros se dedican a arrancar toda la primavera y todo el verano y que, aun así prevalecen y ahora mismo se extienden triunfantes por tierras, senderos, pastos, campos y jardines; tales son su fuerza y su vigor. Las hemos insultado poniéndoles nombres bajos, como hierba puerca, pejiguera, té de Nueva Jersey, gallarito, pamplina. Él dice que tienen nombres bonitos: amaranto, ambrosía…»
Traducción de José Luis Piquero
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Iluminaciones, de César Niño Rey

Publicado el 31 enero, 2026 por Manuel Fernández Labrada

Decía Hermann Hesse, en uno de sus poemas más celebrados, que todo comienzo alberga un particular encanto (ein Zauber inne). De parecida manera, la primera obra de un narrador inspira el respeto de lo novedoso, de lo que acaba de nacer, sobre todo cuando promete ser el inicio de un largo camino. Si el autor, además, ha puesto toda su ilusión, trabajo y talento en la tarea de escribirla, leerla o hablar de ella no puede ser sino un privilegio. También una responsabilidad. Iluminaciones (Pie de Página, 2023), de César Niño Rey, cumple con creces las expectativas que despierta la publicación de un primer libro de narrativa. El lector descubrirá en sus páginas una variada colección de relatos, compuestos con una admirable perfección y dotados de una originalidad innegable. De muy diversa extensión, algunos textos podrían ser considerados nouvelles, mientras que otros entrarían fácilmente en la categoría de la minificción (es el caso de «Apocalipsis»). El libro manifiesta además una notable disparidad de registros, propia quizás de un libro de relatos donde, por un lado, se recogen escritos de diversa data (así lo revela el autor), y por otro, se dibuja una encrucijada de caminos. Los textos de un libro de relatos no tienen que estar todos afinados, como la suite barroca, en una misma tonalidad. Los de César Niño no lo están, y como sucede en muchas ocasiones esta variedad también la agradecerán los lectores.

El primer relato, «Materia oscura», es uno de los más extensos y de mayor atractivo de la colección. La historia narrada es mínima. La tumbona de un jardín, en una bella y tranquila noche de verano, se convierte para el narrador en el centro del universo: una especie de ónfalos desde el que puede extender su mirada tanto al pasado como al presente, a lo más alejado como a lo más cercano y familiar. Una meditación, en suma, que gravita entre polos contrapuestos: lo colectivo con lo individual, el recuerdo con la observación, el tono científico con el emotivo. El texto atesora descripciones nocturnas de una indudable belleza, donde la nota más original la pone un curioso sesgo didáctico de la narración, que gira en torno a la afición del protagonista a la astronomía. El autor se ha propuesto dejar constancia de uno de esos escasos momentos en que nuestra mente se expande y cree poder abarcarlo todo en una mirada integradora, comprensiva y reconfortante: una visión donde no existe conflicto alguno y donde todo parece encajar y descansar en la armonía que brindan los opuestos.

Basta con leer el segundo relato de Iluminaciones, «Cuatro palabras», para presentir que la diversidad será una de las principales credenciales del libro. El texto narra la rememoración de un ignorado malentendido que, agazapado durante muchos años en el pasado (como la «bestia» del relato de Henry James), retorna para proyectar una sombra de inquietud en la vida del narrador. «6-3, 5-7, 4-4» confirma esa primera impresión de variedad, como también una evidente voluntad de hacer bandera del estilo y abandonar los caminos de lo previsible para sorprender al lector: un elaborado tour de force narrativo orquestado en torno a una partida de tenis. La ironía, otro elemento que me parece consustancial al hacer literario de César Niño, se hace presente en el siguiente relato: «Cómo acabé de una vez por todas con el insomnio». El texto reproduce la conferencia de un charlatán que, no obstante su insufrible verborrea (reproducida en un solo párrafo, apenas nos deja respirar), acierta a resumir algunos de los males que padece nuestro mundo, y que se traducen en la dificultad de conciliar el sueño. El lector atento quizás se pregunte si la solución propuesta por el conferenciante no es la mejor manera de agravar el problema; sobre todo porque resulta sospechoso el entusiasmo de sus oyentes, igual de impulsivos y descerebrados (sus reacciones, anotadas entre paréntesis, así lo testimonian) que aquellos otros que Julio Verne pintaba aplaudiendo los progresos de la técnica. «Una historia fantástica» parece señalar que su autor no desea dejar de pulsar ninguna tecla narrativa. Leeremos ahora un relato de aparecidos, difundido a media voz en un exclusivo club de caballeros británicos. El tono irónico con el que está narrado, sin embargo, apenas permite al espectro imponerse al lector. Una parodia, quizás, de algunos tópicos y clichés propios del relato victoriano de fantasmas.

A mi manera de ver, «Cosmos» es uno de los mejores cuentos de Iluminaciones. Es también un relato fantástico, pero de un orden completamente opuesto al anterior. Narrado con mucha riqueza de detalle, se inicia con la toma de conciencia, por parte del narrador, de la inesperada y enigmática soledad que se disfruta en un parque urbano. Al poco descubrirá que la ciudad entera se ha vaciado también de sus habitantes. Sorprende bastante la nula alarma que provoca en el personaje esta situación tan excepcional, ante la que reacciona con la mesura y sentido práctico de un Robinsón Crusoe. Poco a poco iremos apreciando que aquello que parecía ser en un principio una distopía apocalíptica (recordemos La nube púrpura, de Shiel) deriva en la narración de lo que me atreveré a denominar una fantasía cumplida, protagonizada por un personaje (algunos lectores lo tildarán, quizás, de misántropo) que se congratula de su soledad, sin preguntarse demasiado por el destino de sus paisanos. La descripción de la ciudad abandonada constituye un indudable logro del narrador, que describe los paseos del protagonista por las calles y comercios desiertos con una notable verosimilitud (la experiencia de aislamiento sufrida durante la gran epidemia quizás haya suministrado algunos materiales al autor). En las estampas de la ciudad abandonada, poco a poco conquistada por la naturaleza, hallaremos también cierta complacencia estética, cercana o parecida a la que induce la contemplación de unas ruinas antiguas. El relato finaliza con la concesión a la humanidad de una segunda oportunidad en un edén recuperado.

«Canta, oh diosa» representa un ingenioso juego metaliterario lleno de ironía y con abundantes entrecruzamientos temporales. El autor se complace en una minuciosa narración del proceso de escritura, que se convierte en el argumento del relato. Tanto los contratiempos sin trascendencia del vivir cotidiano como los condicionantes y pequeños accidentes de la escritura se describen de una manera un tanto burlona, con la intención confesa de incorporarlos en un futuro relato. Todo vale para arrojarlo a la hoguera de la narración. El escrito se convierte así en un «autorretrato» del narrador, tanto de su realidad diaria como de sus fantasías como creador. Cierra la colección el relato más extenso de todos, «Una vida plena»: un texto del que puede afirmarse que está forjado en una sola pieza. César Niño reconstruye, en unas decenas de páginas, la vida entera de «una gran dama» victoriana y su exclusivo y reducido mundo social y familiar. Una acelerada biografía que se extiende desde la cuna hasta la sepultura: infancia, matrimonio, hijos, muerte de los padres, relaciones, aficiones, progreso social, vacaciones, ancianidad… La dama, dotada de una admirable entereza moral, protagoniza una vida tan plena de dones que enseguida empieza a parecernos vacía o, al menos, carente de relieve, pues adolece del condimento ineludible y natural de esos contratiempos, desgracias y fatalidades que, al parecer, tanto nos enseñan. Pero esta es, sin duda, la particular esencia que el autor ha querido infundir a su texto: ofrecernos una narración sin sucesos imprevistos ni altibajos emocionales que nos recuerda la clásica imperturbabilidad y armonía de algunas páginas de Stifter, y que habría que entender como un consumado ejercicio de «elipsis», o quizás también, de ironía.

Reseña de Manuel Fernández Labrada

«Sin el barniz del humo de los coches y las chimeneas, cada línea se había vuelto precisa como en un dibujo a pluma, y a la paleta de grises y marrones que bastaba para pintar las figuras que se apilaban hasta el horizonte se habían añadido la gama de verdes y ocres que coloreaban las copas de los árboles, los tonos rojizos del ladrillo y las tejas y el turquesa de las piscinas de las urbanizaciones que colonizaban las afueras, y como pinceladas de plata y oro destellaban los rascacielos».
«Sonrió de un modo casi imperceptible: ella seguía sin sospechar que desconocía por completo un fragmento de su biografía. No se lo había ocultado por temor a su reacción ―estaba seguro de que lo examinaría con benevolencia antes de encajarlo entre las demás piezas―, sino porque, con la tenacidad impermeable a la lógica de una superstición, se había apoderado de él la idea de que tenía derecho a reservarse al menos una partícula de su identidad, aunque fuese insignificante, casi ridícula, a ocultar esa posesión de un modo tan radical que nadie llegase siquiera a vislumbrar su existencia. Al considerar los años que había sido capaz de conservar ese secreto, se identificaba con el travieso protagonista de un cuento que había leído a sus hijos muchas veces, el huérfano que encontraba en el desván de una vieja mansión un cofre lleno de piedras preciosas y las escondía mezclándolas con las canicas que guardaba en un tarro de cristal, a la vista de los adultos».
«Además, borrará del espejo las salpicaduras, reemplazará los azulejos grises por unas teselas en distintos tonos de azul y añadirá un reloj de pared con números y manecillas de un diseño sinuoso. Se convencerá de haber creado aquel objeto, pero ―como descubrirá al año siguiente― en realidad se ha tratado de una apropiación, ya que procede de una visita al piso en el que acaba de instalarse un amigo, solo que en su caso, como subrayará, el reloj lleva parado desde no se sabe cuándo “porque las pasiones que gobiernan su vida no transigen con trivialidades como la puntualidad”».
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Un liante entre los clásicos, de Enrique Gallud Jardiel

Publicado el 13 octubre, 2025 por Manuel Fernández Labrada

Hace ya tiempo que descubrimos que las únicas burlas que merecen la pena son las que apuntan a lo más alto. Una de las primeras parodias literarias, la Batracomiomaquia, tomaba como diana de su sátira al elevado mundo de los héroes homéricos. Esopo, un simple esclavo, se rio de las pirámides de Egipto y Diógenes, desde su modesto tonel, se permitió mostrarse grosero con Alejandro (desde entonces los bufones siempre se meten con los reyes). La fama de David no dependió tampoco de su puntería, sino de la gigantesca talla de su adversario. Los ejemplos son tan numerosos como las arenas del mar de Homero. Quizás por ello, los grandes clásicos de la literatura universal estaban condenados a sufrir las pullas que Enrique Gallud Jardiel les arroja desde las páginas de su nuevo y divertidísimo libro: Un liante entre los clásicos (Ápeiron, 2025). Un libro que se abre con Shakespeare y se cierra con Cervantes, y donde se les toma el pelo a diez obras maestras de la literatura universal, tanto foráneas como nacionales, clásicas o modernas. Un magistral compendio de todos los recursos válidos para poner en solfa un texto literario. Ahora bien, me apresuro a señalar que las burlas y parodias (o como demonios las llamemos) que nutren este ingenioso libro no nacen ni del desamor ni de la ignorancia, sino de todo lo contrario. Son similares a las bromas que gastamos a las personas que conocemos bien y apreciamos mucho. Es decir, que Enrique Gallud es más amante que liante, conoce perfectamente la literatura y anda por ella como Pedro por su casa. Y donde hay confianza… hay familiaridades. ¡Benditas familiaridades cuando nos hacen sonreír!

«Quien bien te quiere te hará llorar», asegura el refrán popular. O dicho de otro modo: Enrique Gallud Jardiel le tira a los clásicos de las orejas lo mismo que nosotros, más indocumentados y menos osados, le tiramos a la cola de nuestros perros, siempre con el mayor cariño del mundo y asumiendo de buen grado la posibilidad de llevarnos algún mordisco más que merecido… No son pocas, desde luego, las libertades que se toma el autor con los clásicos más afamados (aquellos que algunos consideran tan «intangibles» que nunca se resuelven a leerlos). Y la más gorda de todas es la de invitarse, con toda la cara del mundo, a personaje de sus libros, protagonizando una especie de cosplay de literato que no se resigna a contemplarlos desde fuera. Al igual que Alonso Quijano se creyó caballero andante y se echó a los caminos en busca de aventuras, nuestro liante se disfrazará de personaje a fin de poder meterse por las guardas (véase la ilustración de portada) hasta el mismísimo corazón de sus clásicos más queridos. Un derroche de libérrima imaginación, en suma, a la que solo pondrá coto el respeto que todo alumno aventajado debe a sus maestros.

Tras una breve pero sustanciosa introducción, donde el autor defiende la importancia de la imaginación en la literatura y la inutilidad de las explicaciones «verosímiles», el liante se presentará como invitado nada menos que en el castillo de Elsinor. Porque si un yanqui pudo meterse en la corte del rey Arturo, no veo yo por qué un valenciano no podría hacer lo propio en la del príncipe Hamlet, que le pilla incluso más cerca. Pronto descubriremos que su verdadera intención al viajar a Dinamarca era la de ver un fantasma de los de verdad (desde que Wilde levantó la veda en Canterville no es de mal tono burlarse de las apariciones, ni siquiera de las más regias o atormentadas). Envalentonado quizás por lo incorpóreo del espectro, don Liante se salta todas las reglas del protocolo y le cuestiona duramente al monarca difunto la inconsistencia de sus rencores y deseos de venganza, que son los mismos que sustentan el drama. Amparándose además en las dudas proverbiales del príncipe heredero, poco le costará convencerlos a todos de que lo mejor es quedarse quietecitos y dejar las cosas como están. Si Shakespeare lo hubiera sabido… ¡otro gallo (y no el del primer acto) nos cantara!

Porque no cabe duda de que el liante sabe infiltrarse como patógeno bacilo en el cuerpo de los más encopetados clásicos y echar por tierra, a fuerza de lógica, chistes y anacronismos, sus argumentos y motivaciones. Y así, como polilla dispuesta a merendarse otra trama más, se personará en la isla de Robinsón con el aventurado propósito de liberar por las buenas al bueno de Viernes, impartiéndole un curso acelerado de derechos humanos a su explotador explorador. Porque conocer de antemano los argumentos y desenlaces de los textos da mucho poder sobre los simples personajes, tan ignorantes (¡los pobres!) de las asechanzas que urden a sus espaldas los autores, y que por ello andan siempre proclives a colgarse del clavo ardiente del sentido común que les ofrece el liante, que sabe pinchar la urdimbre de sus aventuras como si de un globo de niños se tratara. Al igual que aquel viajero en el tiempo que le enseñaba al capitán del Titanic los periódicos del día siguiente para convencerlo del inminente desastre que lo amenazaba, el liante coge a los protagonistas de las solapas y se los lleva a su terreno a golpes de spoilers amenazantes.

Y si alguien teme todavía que el libro de Gallud Jardiel sea una mera sarta de allanamientos de volumen deslavazados y sin orden ni concierto le bastará leer algunos capítulos para convencerse de lo contrario. Porque el narrador, como buen liante que es, gusta de ligar unas historias con otras; es decir, tiene la precaución (para garantizarse lectores y sin necesidad de citar en nota a la princesa de Las mil y una noches) de no finalizar ninguna de sus historias sin ponernos previamente en antecedentes de la siguiente. O lo que es casi igual: cierra cada capitulo del libro ofreciéndonos un aperitivo o tráiler de la siguiente función, donde también dicta documentadas y oportunas lecciones de historia de la literatura. Y es que no se conforma con «liar» a los personajes de los libros, sino que también desea hacer lo mismo con los lectores y atarnos con nudo marinero a sus invenciones, a fin de mantenernos prisioneros hasta la última página del volumen. Solo entonces nos dejará salir del libro por la página del colofón: allí donde figuran un perro y un gato que, muy juiciosamente, han estado todo el rato jugando al ajedrez mientras nosotros corríamos el riesgo de troncharnos de risa.

Pero hay algo más. En el capítulo dedicado al Guillermo Tell de Schiller descubrimos que el motivo del liante para asaltar determinados libros no es en realidad su calidad literaria (que también la tienen), sino el mismo afán que movía los pies del Quijano, desfacer entuertos; aunque en el caso particular del ballestero revolucionario se encontrará con una Suiza puesta del revés y con los papeles del drama intercambiados, tal como si en vez de un libro de Schiller hubiera allanado por confusión otro que se le pareciera (porque un liante también puede liarse). Pero no tema el lector por la suerte del niño de la manzana, que el tunante sabrá ponerlo todo del derecho, aunque sea al precio de propiciar desastres aún mayores. Porque ya se sabe que las buenas intenciones pavimentan el suelo del infierno. Que en el desempeño de este propósito de «mejorar destinos» el liante no siempre desdeña valerse de artimañas poco presentables lo podremos apreciar en el siguiente capítulo, el correspondiente al Tenorio, donde el muy tunante ayuda al burlador a raptar a la monja doña Inés contra el gaje de beneficiársela. Y ya no es solo que se permita modificar la trama del drama, sino que también hace sombra a los versos del poema, injertándole ingeniosas «morcillas» rimadas que casi dejan pequeños a los originales (ya de por sí algo ripiosos, que todo hay que decirlo) y que nos harán reír a mandíbula batiente.

El elenco de entuertos que pretende remediar el liante no tiene fin y se extiende también al terreno de lo cultural. Y así, en la aventura dedicada a subvertir el famoso best seller de Umberto Eco, El nombre de la rosa, su intención es la de recuperar el segundo libro de la Poética de Aristóteles, aquel venenoso infolio que el alter ego de Borges, el bibliotecario Jorge de Burgos, se comía a puñados y en horas extras para evitar que supiéramos que el magister estimaba en mucho la risa. Porque el pedigrí de la comedia es asunto de capital importancia para quien vive, como el liante, de la guasa. Ahora bien, si halla o no halla el libro (o si se mete o no se mete también en él y con qué resultados) son incógnitas que no despejaré al lector, pues ya va siendo hora de que me calle. Le dejo, pues, que siga avanzando por su cuenta y riesgo. Quedan por delante otras muchas incursiones igual de ingeniosas, trabajadas y divertidas, entre las que figuran el salvar de la quema al monstruo de Frankenstein, restituir a Roxane a los brazos de Cyrano (con discutibles resultados), librar a Troya de su cruento final (y de paso agenciarse el Nobel de la Paz), impedir los crímenes de Raskólnikov (uno de los episodios más divertidos) o conceder la palma de una victoria definitiva a don Quijote (con un desternillante «escrutinio» de una biblioteca de best sellers modernos). Vamos, que le voy a dejar que se ría a solas mientras yo tomo prudentemente el pomo de la puerta y me largo por la contracubierta. Porque de tanto entrar y salir de los libros en tan mala compañía me ha entrado miedo de que este liante de las letras, contra quien no valen ni seguros ni alarmas anti okupas, halle la manera de metérseme en la reseña, o peor aún, en mis otros libros y me los deje hechos unos verdaderos zorros que ni siquiera yo mismo los reconozca luego.

Reseña de Manuel Fernández Labrada

«¿Es preciso que la imaginación se justifique a sí misma? ¿Por qué Gregor Samsa se convierte en bicho de repente y sin venir a cuento, vamos a ver? Kafka no se toma el más mínimo trabajo para decírnoslo. ¿Por qué salen brujas en Macbeth, cuando nadie ignora que las brujas no existen? ¿Por qué nos cuenta la historia que Pericles, Alfonso X «el Sabio» y otros señores gobernaron bien en su momento si todo el mundo sabe que los políticos honestos y capaces ―al igual que las brujas― tampoco existen?».
«Me introduje en la abadía por el agujero por el que se tiraban los desperdicios ladera abajo, porque la regla de la Orden de San Benito mandaba a los frailes orar y laborar, pero no decía nada de reciclar. En la basura, entre las mondas de patatas y los prospectos de los Testigos de Jehová (que incluso hasta allí habían llegado para convertir a los frailes dudantes), encontré un maloloroso, raído y desechado hábito, dentro del cual habité los días siguientes y a cuyo hedor me tuve que habitar (habituar, quiero decir). Me hizo sufrir mucho, a decir verdad, porque me estaba grande y me lo iba pisando constantemente, aparte de que era de lanilla y picaba».
«Obligué al pintor amigo de Dorian Grey a que le hiciera un retrato de estilo cubista, que era tan horroroso desde el principio que en ese rostro los vicios no se mostraban ni tanto así».
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Cuentos herejes, de Ryunosuke Akutagawa

Publicado el 2 octubre, 2025 por Manuel Fernández Labrada

Muchas veces un simple cambio de perspectiva nos permite descubrir detalles insospechados en algo que creíamos conocer bien. Adoptar la mirada ajena sobre cualquier asunto puede ser enriquecedor. Tal es el poder transformador de la literatura, que nos ayuda a contemplar el mundo desde un ángulo diferente. A este respecto, los Cuentos herejes de Ryunosuke Akutagawa (1892-1927) nos brindan la oportunidad de revisitar un conjunto de historias y creencias muy cercanas, pertenecientes a la religión católica, iluminadas por la mirada de un oriental. De parecida manera a como Lafcadio Hearn proyectó su visión europea sobre unas tradiciones y leyendas japonesas que llegó a conocer muy bien, Akutagawa hace lo propio con el acervo cristiano de diablos y divinidades, persecuciones, martirios y curaciones milagrosas. El contexto histórico de los relatos que integran el libro es el de las misiones en el Japón (ss. XVI y XVII). Un tema apasionante y casi novelesco que inspiró dos bellas narraciones del escritor japonés Shūsaku Endō: Silencio (1966) y El samurái (1980). En una fecha muy anterior nuestro dramaturgo Antonio Mira de Amescua había compuesto Los mártires del Japón (c. 1618). Era un momento en que la gesta evangelizadora gozaba de una gran actualidad. La presencia de misioneros europeos en aquellas lejanas tierras tocaba a su fin.

Cuentos herejes (Pre-Textos, 2025) está integrado por catorce relatos de diferente hechura estilística, unidos por el común denominador de evocar estampas cristianas en el Japón del siglo XVII. Algunos de estos cuentos tienen un componente folclórico bastante acusado. Otros son relatos edificantes, en ocasiones muy ingenuos, inspirados en las historias desarrolladas por los misioneros para difundir su credo entre gentes sencillas. Los hay también más literarios, brotados directamente de la pluma de Akutagawa. La ironía, cuando no la crítica, se insinúa con frecuencia entre sus páginas. Demonios y santos, conversos y paganos, milagros y martirios… Muchos interesantes detalles de esta aventura evangelizadora en tierras japonesas aparecen expuestos en el prólogo de la edición, escrito por el gran narrador venezolano (y experto en cultura japonesa) Ednodio Quintero, que traza una breve pero muy completa semblanza de Akutagawa, tanto de su atormentada vida como de su obra literaria, abierta a las influencias occidentales. También valora Quintero su interés por analizar la influencia cristiana en el contexto de la cultura japonesa, y que fue evolucionando con el paso del tiempo, como puede percibirse en el diferente talante de los relatos seleccionados, que figuran en el libro ordenados cronológicamente.

Frente a la legión de múltiples yōkai que pueblan el imaginario popular japonés, el diablo (diabo) cristiano sirve al mal con su sola persona y, en ocasiones, investido de un regusto folclórico que parece también importado. Es el caso de «El tabaco y el diablo», un relato etiológico que explica la llegada de la planta al Japón. Su poder adictivo y efectos nocivos sobre la salud no podían tener mejor explicación que su origen en un diablo extranjero. Por suerte los japoneses, al igual que los campesinos europeos, aprenderán pronto a engañarlo. El breve cuento titulado «El diablo», procedente de un «antiguo manuscrito» y narrado por el padre Organtino, cuenta el caso particular de un diablo ―quizás «enamorado»― que vacila entre seguir su naturaleza maléfica y corromper a la joven hija de una familia distinguida o cumplir su deseo personal de salvaguardar su pureza. Parecidos escrúpulos morales hallamos en «Lucifer», otro cuento inspirado en La destrucción de Dios (1620). Escrito por un apóstata, Fabián, no solo satiriza las creencias cristianas y se burla de la omnipotencia divina, sino que también da cuenta en sus páginas de una singular entrevista donde el ángel caído reivindica una vez más a los demonios cristianos, a los que define como seres conocedores de la verdad y no siempre perversos: «intentamos convencer a las personas para que se conviertan en seres malvados, y al mismo tiempo procuramos no hacerlo». Es decir, al igual que el Mefistófeles de Fausto, forman parte «de aquella fuerza fatal / que queriendo hacer el mal, / logra sólo hacer el bien».

Otro grupo importante de cuentos es el que relata historias de martirio. «Juliano Kichisuke» es la breve crónica, extraída de una fuente cristiana de la época, de la vida, proceso y ejecución en la cruz (con los consecuentes portentos naturales acompañantes) de un mártir muy joven e ingenuo. Para Akutagawa, Juliano «es el cándido e idiota sagrado que más admiro entre todos los mártires del Japón». Algunas de las historias recogidas en el libro proceden de una Legenda aurea compuesta por los jesuitas de Nagasaki, con fines proselitistas, en 1596 (y que nada tiene que ver con la de Santiago de la Vorágine). Entre estas historias de muertes horrendas destaca «El mártir», un extenso y muy elaborado relato que esconde una gran sorpresa en su desenlace. El heroísmo de su protagonista confirma de nuevo la impresión de que son precisamente estas historias de martirio las que merecen un tratamiento más respetuoso con la ortodoxia cristiana. «Ogin» es otro bello relato que relata los sufrimientos de un viejo matrimonio y una jovencita adoptada que, tras la delación de sus vecinos, van a ser quemados vivos durante la Nochebuena. Al relato, que da testimonio del atroz martirio que padecieron los conversos cristianos durante las persecuciones del siglo XVII, se le añaden, sin embargo, algunas pinceladas de ironía, como el lector podrá valorar en su inesperado y poco ortodoxo desenlace.

Las mayores muestras de escepticismo las hallamos, como cabía esperar, en las narraciones que refieren curaciones milagrosas. En «El informe de Ogata Ryõsai» se expone de manera aséptica y objetiva un milagro acaecido en el seno de una familia perteneciente a la «secta de los cristianos». El testimonio, rendido por escrito, del médico que atiende a la enferma abre la puerta a una explicación «racionalista» del aparente portento. Sin salirnos del tema milagroso, podemos distinguir un grupo de relatos muy elaborados y que transmiten una imagen poco ortodoxa de las divinidades cristianas. «El Cristo de Nanking» está protagonizado por una joven prostituta china, enferma de sífilis, que se cura, al parecer, por intervención divina. El mensaje ético es muy evidente: la generosidad puede prender en el corazón más humilde y obtener su merecida recompensa. Sin embargo, el sueño donde Jesucristo actúa como un dios pagano y la descripción de un paraíso donde la comida celestial se consume con palillos (aunque también se afirme que «Jesucristo jamás ha probado comida china») no dejan de constituir escenas muy poco respetuosas. Un bello cuento, en cualquier caso, que también se cierra con el colofón de una explicación racionalista. Otro texto encuadrable en este apartado de «joyas literarias» es «La santa vestida de negro». Se trata de un estupendo relato de anticuario, fantástico y bastante terrorífico, que gira en torno a una reliquia familiar: una estatua de ébano y marfil de la Kannon María, y que posee la misma mirada y sonrisa malévolas que aquella estatua romana que tanto hacía sufrir al protagonista de La Venus de Ille de Mérimée (ni siquiera le falta la inscripción latina a modo de advertencia). En Akutagawa el milagro tiene un componente secundario un tanto insidioso y nada angélico, cercano al del célebre relato de W. W. Jacobs, aunque no tan terrible.

No faltan tampoco en estos Cuentos heréticos algunos relatos que combinan religión con aventura. «La leyenda de San Cristóbal» es un buen ejemplo de cómo una historia edificante puede estirarse hasta conformar una amena novelita de aventuras. Extraído de la Legenda áurea de 1596. el relato se complace inicialmente, de manera un tanto infantil, en las habilidades de gigante de su protagonista, Réprobo el montañés. Luego, como si fuera un samurái, Réprobo buscará un amo poderoso al que servir. Tras lucir las armas del rey de Antioquía (para el que realiza hazañas equiparables a las de Gulliver en Lilliput), acompañará al diablo y a un ermitaño con todas las trazas de ser el mismísimo San Antón en el desierto. Finalmente, bajo el patrocinio del Señor más poderoso de todos, Jesucristo (Yesu Kirishito), y ya con su definitivo nombre de San Cristóbal, desempeñará su reconocida tarea de porteador en un caudaloso y peligroso río, donde salvará, como cuenta la tradición, al propio Niño Jesús. En un línea también aventurera, aunque con muy pocos aditamentos religiosos, podemos situar el relato titulado «Crónica de una deuda liquidada»: una breve aunque compleja historia, narrada en tres capítulos y por tres voces diferentes unidas por su carácter confesional. Akutagawa compone un divertido relato de intriga donde se alcanzan altas cotas de elaboración literaria y que solo tiene en común con las otras historias la época en que sucede: un Japón donde aún es posible que un empresario practique el cristianismo y un ladrón solicite una misa para un difunto que le ha salvado la vida. El valor edificante de la historia no reposa ahora en su componente religioso, sino en el respeto a dos principios éticos muy apreciados por los japoneses: el amor filial y la obligación de devolver un favor.

El final de los dioses extranjeros en el Japón parece anunciarse también en algunos relatos. «La sonrisa de los dioses» es un bellísimo texto donde se expresa el extrañamiento que padece un misionero en su nueva tierra. La meditación sobre el poder de los dioses autóctonos y la oración, en las que el padre Organtino se abisma durante el relato, desembocan en la visión de una teofanía pagana (como la protagonizada por la diosa Õhirume), presagio de la derrota final de los «bárbaros del sur». Este relato representa también un documentado homenaje al poder de la cultura japonesa para «trasformar y adaptar lo que proviene del exterior». Una mirada más crítica e irónica sobre el cristianismo parece abrirse paso, pues, en estos últimos relatos. Así sucede en «Oshino», donde la orgullosa viuda de un guerrero, que solicita ayuda a un religioso cristiano para la curación de su hijo, expresa una reacción inesperada ante la espontánea catequesis que le imparte el sacerdote (ciertamente, un poco bocazas). La irritada madre contrasta con ventaja el sistema propio del entorno samurái con la piedad cristina, la espada con la cruz. Finalmente, en «Diario de una dama de compañía» asistiremos a las excentricidades e inconsecuencias de una conversa, la orgullosa y malhumorada dama Shurinʾin: una mujer grotesca y algo absurda que utiliza los animales de Esopo para insultar y ridiculizar a sus servidores y que termina protagonizando un suicidio innecesario (prohibido, además, por su nueva religión). Esta ácida burla de una cristiana confirma de nuevo el carácter doblemente «herético» de los relatos recogidos por Quintero, que no solo dan cuenta de una religión extranjera, sino que también la retratan de una manera poco ortodoxa. Los cuentos se sitúan, pues, en un terreno donde el juego de la imaginación es lo verdaderamente importante: el mejor territorio, sin duda, para que la literatura levante su reino.

Reseña de Manuel Fernández Labrada

«Enmudecido, con los brazos cruzados, permanecí durante un buen rato observando el hermoso rostro de la santa vestida de negro. Sin embargo, luego creí detectar un gesto misterioso que flotaba sobre aquel semblante de marfil: no, misterioso no es la palabra; mejor dicho, una burla maliciosa brotaba del rostro entero».
«Y el señor Jesucristo, ese Dios suyo al que tanto veneran, ¿se lamentó de su destino sólo porque lo crucificaron? Me parece un ser despreciable. ¿Qué se puede esperar de una religión que convierte a un pusilánime en objeto de adoración? Jamás permitiré que usted, que dice creer en ese miserable, se acerque al altar de mi difunto esposo, y menos aún que ponga una mano sobre mi hijo».
«Era el mismo que le había robado la espada a Toyotomi, el que despojó del precioso coral al comerciante Okachi, aquel que había derribado el aromatizado árbol de Ukita, el que le birló el valioso reloj al capitán Pereira, el que logró violentar cinco baúles de joyas en una sola noche, el mismo que había asesinado con su espada a ocho samuráis en Aichi. A Jinnai Macao se le atribuían las hazañas más extravagantes, que lo habían convertido en un mito viviente. Y aquel afamado malhechor caminaba delante de mí por la calle nevada, apenas iluminada por un tenue resplandor, con el sombrero de bambú inclinado sobre su cabeza. ¿Cómo no me iba a sentir feliz ante semejante espectáculo?».
Traducción de Ryukichi Terao y Ednodio Quintero
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Los árboles en lo visible e invisible, de Ernst Zürcher

Publicado el 19 septiembre, 2025 por Manuel Fernández Labrada

Dudo si las trágicas semanas que vivimos durante el pasado verano, con una parte significativa de nuestro territorio forestal y rural asolado por las llamas, fueron el mejor contexto para leer este libro. Quisiera creer que las desgracias sirven también de advertencia. Quizás el lector informado, sucedido lo ya irremediable, podrá valorar mejor la importancia de lo que se ha perdido. Si existe un hogar para nosotros es el bosque: un lugar auténtico y entrañable donde el espacio y el tiempo adquieren un significado trascendente. Al recorrerlo, toda nostalgia desaparece y nuestros pasos se cargan de alegría y una cierta solemnidad: «soledad del bosque / ¡qué alegre es! / No siento pena / ni envidia», escribía Ludwig Tieck. Porque el bosque es el escenario de nuestros sueños y fantasías más queridas, aquel en el que desearíamos habitar para siempre. Visto incluso desde esta limitada perspectiva deberíamos lamentar el enorme daño que hemos sufrido. Nada mejor para percibirlo que recorrer el territorio devastado por un incendio y compararlo con lo que fue. El espacio se ha reducido a un vacío desolador. Los relieves y parajes diversos que antes solo era dado descubrir en el curso de una larga y estimulante caminata se nos ofrecen desnudos en un solo golpe de vista. Esto solo por lo que respecta al mundo vegetal. Porque la pérdida de todo tipo de animales, bienes materiales valiosos y vidas humanas queda fuera de cualquier medida. El bosque es nuestro espacio natural de convivencia y su muerte es difícilmente reparable.

Estos fueron algunos de los pensamientos —nada originales, por cierto— que me acompañaron durante la lectura del libro de Ernst Zürcher, Los árboles en lo visible e invisible: Sorprenderse, comprender, actuar (Atalanta, 2025), y que terminaron por quitarme las ganas de escribir sobre nada que tuviera que relacionar con la catástrofe. Me parecía un asunto demasiado delicado y doloroso. Transcurrido algún tiempo, intentaré recuperar e hilvanar, en una breve reseña, algunos de mis recuerdos de lectura. Como el título ya nos anuncia, el trabajo de Zürcher no pretende tanto dotarnos de conocimientos botánicos (aunque también los transmita, y en abundancia) como ayudarnos a fraguar un reencuentro vivificante y trascendente con una de las mas valiosas «realidades» naturales que persisten en nuestros días, y de la que el hombre moderno de las ciudades se ha distanciado. El de Zürcher es un libro que nos estimula a movilizar nuestra capacidad de asombro ante el árbol, así como a recuperar una relación más consciente y estrecha con los «seres de madera». Los árboles en lo visible e invisible se extiende, pues, en las más diversas direcciones, desde las puramente científicas a las más especulativas, del estudio de la relación inmemorial del hombre con el árbol a los retos climáticos actuales y la relevancia de los bosques en su correcta regulación. El libro viene acompañado, además, de un atractivo cuadernillo central de fotos en color, así como de interesantes textos complementarios: un prólogo de Joaquín Araújo, un prefacio de Francis Hallé y un posfacio de Bruno Sirven. A ellos se suman un extenso repertorio bibliográfico y un capítulo de anexos donde se tratan temas tan variados como los árboles nacionales o los principios de un silvicultura más cercana a la naturaleza.

Poner en sintonía las tradiciones milenarias sobre el árbol (en sus componentes espirituales, mágicos o míticos) con los descubrimientos científicos actuales es uno de los empeños de este libro, que persigue hacer de nuestro conocimiento del árbol no tanto una fría ciencia como una experiencia participativa y transformadora. Un buen ejemplo de este propósito lo encontramos en el ameno capítulo dedicado al tejo, donde Zürcher incide en la significación del árbol en la cultura celta, y repasa aspectos tan interesantes como el de su extremada longevidad. Asociado a templos y lugares sagrados precristianos, su apenas perceptible crecimiento, característica propia de su etapa de vejez, le ganó al tejo la consideración de árbol inmortal o árbol de vida. Su extraordinaria longevidad (cinco mil años, en algunos casos), analizada y confirmada por la ciencia actual, explicaría ese carácter de árbol sagrado que le atribuyen innúmeras culturas repartidas por todo el mundo. También expone Zürcher la relación del tejo con los yacimientos megalíticos o la toponimia celta, donde las diferentes raíces léxicas que lo nombran reaparecen profusamente, tal como el autor rastrea y resume. Su asociación mítica al inframundo, sus usos medicinales o el aprovechamiento de su madera para la construcción de arcos y flechas son otros tantos valores del tejo a los que la ciencia moderna ha encontrado una explicación, tal como Zürcher detalla.

Otra muestra de este enfoque, que persigue armonizar tradición con ciencia, lo hallamos en el capítulo dedicado a los usos de la madera, donde se estudian sus valores de resistencia mecánica, durabilidad, transmisión del sonido, etc. En los diversos trabajos con la madera (ya sea la empleada para construcción, como leña o en la fabricación de instrumentos musicales, etc.), la práctica tradicional relacionaba el momento óptimo de la tala con factores como las fases lunares o la altura de los árboles. Las modernas investigaciones han «homologado» científicamente estos saberes antiguos, señalando, por ejemplo, la influencia de los ciclos lunares en el componente acuoso de la madera, un factor muy determinante en su mejor aprovechamiento. Es decir, «la ciencia está en disposición de constatar que en las fitoprácticas relacionadas con la Luna que llevan a cabo los silvicultores reside un núcleo de observaciones objetivas». En el extenso capítulo que Zürcher dedica a la madera ―tanto a la luz de los saberes tradicionales como de la ciencia― no faltan otras interesantes apreciaciones, como el bienestar térmico que garantiza la madera en las viviendas, la protección que reporta ante las radiaciones electromagnéticas o los efectos beneficiosos y reconfortantes del fuego de leña en el hogar.

Uno de los muchos temas interesantes tratados en el libro de Zürcher es el de los factores que determinan las dimensiones y edades tan fabulosas que alcanzan algunas especies arbóreas. Para explicarlo desde un punto de vista científico, Zürcher subraya la importancia de la fase de crecimiento puramente vegetativo de los arboles, así como los factores de colonización de los espacios abiertos. Las especies pioneras, que alcanzan siempre un menor desarrollo, ocupan el medio a modo de avanzadilla y «preparan la llegada» de las «especies de sombra». Es decir, los árboles menos longevos anteceden a los más longevos en la formación del bosque. Zürcher analiza también con detalle la conformación de la madera, atiende a la fotosíntesis y a la cronobiología de los árboles o profundiza en la influencia de los ciclos lunares en su desarrollo y crecimiento. El trabajo de Zürcher es una verdadera enciclopedia de los árboles, que se extiende y ramifica, como una selva virgen, en las más diversas direcciones, y como tal, sería impropio intentar resumirla en un puñado de párrafos. Me limitaré a citar otros temas interesantes recogidos en el libro, como los olores de la madera y sus efectos terapéuticos, la reconfortante ionización negativa que propician los bosques, el efecto saludable de los aceites esenciales de algunas maderas en la reducción del estrés, la integración óptima de árboles y bosques en los espacios agroganaderos o su influencia decisiva en la regulación del clima y la generación de lluvias.

Reseña de Manuel Fernández Labrada

«Ese fuego [de leña] nos conecta de nuevo con un elemento que nos ha acompañado desde el principio de los tiempos y que ha jugado un papel crucial en la evolución humana. El antiguo mito griego de Prometeo ilustra de forma dramática el vínculo del fuego con la libertad humana; seguramente se trate de un arquetipo universal, en el sentido en que lo interpretaba Jung. Prender una lumbre de leña y vivirla constituye un retorno a lo elemental, a la inmediatez y a la lentitud, un poco como la recuperación de los largos paseos».
«Plinio el Viejo menciona en su Historia natural (libro XVI, cap. XX) que su veneno [tejo] es tan activo que en Arcadia (en el centro del Peloponeso) las personas que se quedaban dormidas o reposaban bajo ese árbol morían […] Albert Kukowka, profesor de Medicina en la Universidad de Greiz (Alemania), ha descubierto que en los días calurosos el tejo segrega bajo su copa un alcaloide en forma gaseosa que puede provocar alucinaciones».
Traducción de Ernst Zürcher y Atalanta
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Leer es vivir. El entusiasmo de la literatura, de Jorge Morcillo

Publicado el 14 septiembre, 2025 por Manuel Fernández Labrada

Una creencia muy difundida y aceptada por lo común es la de considerar arte y vida como dos magnitudes contrapuestas o, cuando menos, difícilmente compatibles. Hay acuñado al respecto un aforismo latino que resulta muy explicativo: ars longa, vita brevis. Recuerdo que en uno de sus poemas preferidos, Borges hacía abjurar a Emerson de su experiencia de gran lector. Es decir, se complacía en imaginar que el filósofo de Concord pudiera haber deseado, al final de su vida, «ser otro hombre». Cuando Flaubert se congratulaba de que los criados vivieran la vida y le dejaran a él la literatura también parecía reconocer esa presunta incompatibilidad, aunque suscribiéndola de buen grado. ¿Cabe incluir a los lectores empedernidos —una rara avis— entre esos cultos y artísticos «desperdiciadores» de la vida? ¿Acaso la expresión popular «ratón de biblioteca» no lo ilustra de manera convincente? El nuevo libro de Jorge Morcillo, Leer es vivir (Niña Loba, 2025), se opone tajantemente a tales sospechas. Es más, según la opinión de su autor —respaldada por intensas y abundantes lecturas— «la literatura nos devuelve el entusiasmo por la vida». Es decir, la lectura es otra forma de vida no menos enriquecedora que la real. Quizás por ello Borges se vanagloriaba más de lo leído que de lo escrito, y el autor colombiano Nicolás Gómez Dávila, en uno de sus más bellos aforismos, nos recomendaba ser «librescos»: «sepamos preferir a nuestra limitada experiencia individual la experiencia acumulada en una tradición milenaria». No es otro el mensaje que nos propone este estimulante compendio de lecturas compuesto por Jorge Morcillo: «los seres humanos nunca estamos solos. Siempre hay alguien que pensó lo mismo y lo expresó mejor». Porque la lectura es la puerta que nos facilita el acceso a esa vida compartida y, por ende, más plena.

Leer es vivir. El entusiasmo de la literatura es el recuerdo y análisis pormenorizado de las lecturas que han nutrido al autor a lo largo de su vida. Pero también es algo más. El libro de Jorge Morcillo tiene el mérito de aunar a su carácter literario y autobiográfico; es decir, al recuento de sus lecturas predilectas y del contexto en que se forjaron, todas las trazas de una llamada a la lectura. Aunque parezca un detalle menor, se incluyen en el libro generosos extractos de algunas de las obras reseñadas, que potencian ese carácter de «invitación a la gran literatura» que tiene el trabajo de Jorge Morcillo. Pero no quisiera tampoco que alguien pensara que este singular ensayo es encuadrable en esa selva libresca que conforman hoy en día los libros encabezados por el epígrafe «elogio de…» (pronto no quedará ya nada que elogiar, sino quizás el elogio del propio elogio). Leer es vivir constituye más bien la confesión sincera de unas lecturas que para el autor han sido y son fuente de vida, pero no necesariamente para los demás, y que expone y disecciona con una total sinceridad. Nada resulta más fácil ni tentador para un autor que el incurrir en el postureo al hablar de las lecturas que han informado su escritura, y nada parece más alejado de ello que la actitud que Jorge Morcillo manifiesta en todas y cada una de las páginas de su ensayo (y que le permite reconocer, por ejemplo, que nunca ha conectado demasiado con la obra de Kafka, no obstante guardarle el mayor respeto).

El libro se inicia con el recuerdo de las primeras lecturas del autor, así como de las circunstancias que lo condujeron a abrazar la literatura en una temprana etapa de su vida. Debemos admitir que Jorge Morcillo se desenvuelve a las mil maravillas en este registro, digamos «mixto». que compagina vida con literatura. El eficiente engarce que obra Jorge Morcillo de los libros leídos en su trayectoria personal se abre con el relato de un dramático episodio escolar que lo alejó de las odiadas y deprimentes aulas durante una temporada. La literatura representó entonces para él una providencial tabla de salvación. ¿Quién no ha necesitado de alguna ―ya sea artística, literaria, musical o incluso la que reporta una simple afición― durante los turbulentos y difíciles años de la adolescencia? Sus posteriores destierros de alumno díscolo en la biblioteca del centro escolar se constituirán en nuevas oportunidades para el crecimiento de su pasión por los libros. Las diatribas del autor contra la escuela no cogerán por sorpresa a ninguno de sus lectores, que seguramente las recordarán de libros anteriores. Jorge Morcillo no está solo, desde luego, en este desamor por aulas y profesores. Podemos catalogar como similares o, al menos, cercanas algunas confidencias de Hermann Hesse esparcidas por sus escritos, o su novela temprana Bajo la rueda (1906): dramática pintura (con una base autobiográfica) de los efectos nocivos que un sistema educativo represivo provoca en un infante singularmente dotado. En estos primeros años se produce además, en el joven rebelde apasionado por los libros, el tránsito de una lectura de mero entretenimiento al encuentro con ese «algo mas» que tiene la «gran literatura»; es decir, se obra la transformación paulatina de un lector entusiasta que devora la literatura de manera espontánea en otro más crítico y consciente, capaz de embarcarse en lecturas de mayor complejidad.

Pero no vaya a pensar nadie que Leer es vivir se desenvuelve en un férreo orden cronológico. Al discurso temporal Jorge Morcillo ha sabido superponer una ordenación cíclica por afinidades estrictamente literarias; y así, un capítulo dedicado a su descubrimiento del Drácula de Bram Stoker puede incluir otras lecturas cercanas realizadas en etapas posteriores; su temprana devoción a Eudora Welty, traernos a colación una estupenda anécdota de Faulkner; o la noticia de un primer deslumbramiento por la prosa de Borges, expandirse hasta englobar a todos sus autores hispanoamericanos predilectos. Puede darse el caso de que el hallazgo de un nuevo escritor favorito (George Sand) lo propicie la valoración negativa de otro autor predilecto (Nietzsche). No son los «profesores» ni los manuales al uso, desde luego, quienes marcan las lecturas de Jorge Morcillo: es el diálogo entre los propios libros lo que alumbra su camino. Es justo reconocer que Jorge Morcillo acierta a movilizar toda clase de recursos para dotar de coherencia y variedad a un abanico de lecturas tan extenso y variado como el que nos propone. La mezcla entre el análisis de los textos y las notas autobiográficas (cuidadosamente medidas y distribuidas) dotan al libro de una gran unidad. Por lo demás, el elenco de autores citados y comentados es tan numeroso y variado que sería tarea imposible intentar reducirlos a un común denominador: nombres conocidos y poco conocidos, escritores clásicos y actuales, nacionales y extranjeros, narradores y poetas (como la olvidada Renée Vivien, a la que dedica un intenso capítulo), ensayistas, filósofos; libros menudos y «tochos»… Twain, Hugo, Bloom, Bolaño, Balzac, Kafka, Kraznahorkai (al que brinda un extenso y certero análisis), Bernhard, Saramago… ¡Por citar solo algunos! En fin, un complejo y casi inabarcable atlas de lecturas por el que Jorge Morcillo se desplaza con la soltura que confieren muchos años de lectura oficiada bajo la bandera del entusiasmo. No es ocioso recordar aquí que el autor publica un conocido blog de reseñas literarias, Las ruinas del cálamo, fiel testimonio de sus variadas inquietudes culturales.

Aparte del análisis particularizado de sus textos predilectos y notas autobiográficas (que incluyen algunas confidencias bastante personales), el libro de Jorge Morcillo nos ofrece también múltiples apreciaciones literarias de índole más general. Entre ellas, merece la pena señalar su encendida defensa de los libros difíciles, de la soledad y silencio que precisa la creación literaria, de la traducción como puente de unión entre culturas o de la importancia de las pequeñas editoriales independientes como semillero de la mejor literatura. Leer es vivir nos descubre además, en ocasiones, la relación dialéctica que media entre las lecturas del autor, incluidas las más tempranas, y su escritura de ficción. Cuáles son sus autores de cabecera —es decir, aquellos cuyas obras lee y relee sin descanso― o sus hábitos lectores y de escritura son algunas de las interrogantes que los seguidores de Jorge Morcillo quizás se planteen, y que podrán ver respondidas en este libro, donde no faltan tampoco algunas incursiones, entre críticas y nostálgicas, en las revistas literarias, antiguas y modernas, o en la literatura de «entretenimiento» (Simenon es el autor más light que parece tolerar). El entusiasmo del autor por la literatura de calidad desemboca con frecuencia en duras invectivas contra la «industria literaria» y el encasillamiento por géneros, que tanto empobrecen el panorama literario contemporáneo. Enemigo de lo que me permitiré calificar de «filisteísmo literario», Jorge Morcillo no tiene, desde luego, pelos en la lengua, y puesto en el trance de hacer pasar por el molinillo de su crítica al establishment literario… ¡sálvese quién pueda! Estas aristas o espinas de su juicio de lector ―también reaparecen en su narrativa de ficción― son la consecuencia de un ansia de sinceridad que solo parece saciarse al hacerse del todo explícita, y le confieren a su voz literaria un tono y ritmo enteramente propios y peculiares.

Leer es vivir. El entusiasmo de la literatura representa, en suma, el testimonio de una vida entregada por entero y con verdadera pasión a la literatura: un bello y denso ensayo, entre erudito y autobiográfico, fraguado en el conocimiento profundo de muchos libros, el entusiasmo por la lectura y una extremada sinceridad de juicio.

Reseña de Manuel Fernández Labrada

«Todo lo que es profundo y complejo prevalece sobre lo que es simple y aparece masticado».
«Jane Austen es la autora que menos he leído de esos tres, y es que le pillé manía por los elogios de una corte de adolescentes insufribles a las que no veía con ningún interés. Lo de estas chicas era un “marujeo literario” propiciado por el cine y los culebrones de aire romántico; es decir, era todo lo contrario a la literatura que ya vivía en mí».
«Para leer y para escribir hay que estar aislado. Las creaciones necesitan de silencio y recogimiento. Cuando Clara Janés le comentó a una periodista que la felicidad suprema era estar encerrada en un convento se refería a esto, no a que fuese a ordenarse monja. La periodista no lo entendió y cambió de cuestión».
«Chesterton tiene el dudoso privilegio de ser el único autor del que yo robé sus obras completas».
«Recuerdo que me levantaba por las mañanas y, tras desayunar y tomarme el café, me ponía a leer. Hasta recuerdo que me gustaba sentarme en una mecedora a fumar y  pensar en las páginas que acababa de leer. Fue una lectura lenta, reflexiva, dolorosa. Tenía la sensación de que ese sería el último «libro nuevo» [2666] que leería de Roberto Bolaño y fui consciente de que «ese flaco con gafas» había sido un compañero fiel desde finales de mi adolescencia».
«Por eso he de confesar que este Leer es vivir es un libro escrito contra mí mismo. Contra ese lector analítico que soy hoy en día y al que cada vez le cuesta más entusiasmarse con lo que lee. Es más, creo que esa es la verdadera razón de estas “memorias lectoras”: recobrar de alguna manera “el tiempo leído”, que es como decir “el tiempo vivido”. Volver al ser ese lector libre y sin complejos que, casi sin formación y sin conocimientos, disfrutaba mucho más que el lector hijo de puta (tal y como afirmaba Halfon en Un hijo cualquiera) en el que me he convertido».
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